Ob auf der Bühne, in der Grube oder auf der Straße, die Schnittstelle zwischen Musik und Fotografie hat die Musikfotografie zu einem der dynamischsten und visuell faszinierendsten Genres der Fotografie gemacht.
Wie kann man die Rohheit eines Klangs erfassen, wenn er von den Verstärkern mitschwingt? Dies war die Suche von Musikfotografen von den Anfängen des Punk und Hip Hop bis hin zu ikonischeren Aufnahmen von Rock- und Popstars der 60er und 70er Jahre. Einen Ton aufzunehmen ist unmöglich, aber ein Gefühl einzufangen ist eine andere Geschichte…
Wenn man über Musikfotografie spricht, muss man auch subkulturelle Identitäten und ihre visuellen Bezeichner berücksichtigen. Wenn jemand „Metall“ sagt, fallen ihm fast augenblicklich einige Dinge ein. Natürlich gibt es die Musik, aber dann gibt es die Kleidung, die schwarzen Baggy-Hosen und Hoodies, die langen Haare, Bärte und Piercings. Gleiches gilt für Hip Hop, Punk, Grunge und so ziemlich jedes andere Musikgenre.
Die Identitäten, die Menschen für sich selbst schaffen und die sich zumindest im späten 20. Jahrhundert an der Musik ausrichten, waren Gegenstand vieler Fotografen. Derek RidgersDer Fotograf von allen, von James Brown bis Nick Cave, machte sich mit seinem wegweisenden Projekt „Skinheads“ einen Namen, das sich auf den umstrittenen Jugendkult der frühen Thatcher-Jahre in Großbritannien in den späten 70ern und frühen 80ern konzentrierte.
Seine eindrucksvollen Bilder der tätowierten und rasierten Jugendlichen, die Punk- und Hardcore-Musik folgten, sprechen von Rebellion, haben aber auch subtile politische Untertöne. Seine Arbeit markiert eine wichtige Zeit in der modernen britischen Geschichte und betrachtet die Komplexität der Sparmaßnahmen unter Thatcher aus der Perspektive der unzufriedenen Jugend. Seine Arbeit wurde später von Morrissey anerkannt und zur Förderung der Deine Arsenal-Tour.
Ebenso hat Graeme Oxby die weltweite Besessenheit von Elvis aufgezeichnet und die Länge, die Fans brauchen, um ihren Idolen näher zu kommen. Sein Projekt Die Könige von England folgt Elvis Imitatoren, während sie mit Hilfe des Königs die Monotonie ihres täglichen Lebens ausleben.
Oxbys Arbeit ist eine humoristische Erkundung dieser Elvis-Superfans, die um Arbeit konkurrieren, in ihren Städten auftreten und in ihren Schlafzimmern singen. Wenn man sich nicht auf die Künstler selbst konzentriert, sondern auf die Fans und ihre Beziehungen zum Musiker, kann man den kulturellen Einfluss der Musik auf Menschen im Wert von Jahrzehnten erkennen.
Auf der anderen Seite der Welt hielt die Arbeit des malischen Fotografen Malick Sidibé den euphorischen Zeitgeist fest, der Bamako in den 1960er Jahren ergriff, als die französische Kolonialherrschaft in Mali endete. Als sich die Nation tiefgreifend veränderte, reagierte die Jugend natürlich darauf und löste sich aus ihren Fesseln, indem sie Musik und Mode als Ausdrucksmittel aufnahm.
Sidibé behauptet „Wir sind in eine neue Ära eingetreten und die Leute wollten tanzen. Musik hat uns befreit. Plötzlich konnten junge Männer jungen Frauen nahe kommen und sie in ihren Händen halten. Vorher war es nicht erlaubt. Und alle wollten fotografiert werden, wie sie aus nächster Nähe tanzen. “ Sein ikonisches Foto eines Paares, das 1963 in einem Club am Silvesterabend tanzt, ist ein perfekter Moment purer Ekstase, in dem man die Musik fast hören kann.
Larry Towell, Multiinstrumentalist, Musiker und Magnum Associate, hat darüber gesprochen, wie Musik seine Arbeit inspiriert, aber auch über die Kontraste zwischen den beiden Medien: „Fotografie ist illustrativ; Du bist ein Zeuge, wenn du fotografierst. Während Sie als Texter auf Ihre Vorstellungskraft angewiesen sind. Sie stehen sich gegenüber. Aber ich bin überhaupt kein guter Musiker. Ich bin ein Geschichtenerzähler und die Erfahrung als Fotojournalist gibt mir viel Material. “
Towells fotografische Arbeit, die oft mit begleitenden Aufnahmen veröffentlicht wird, zeigt die offensichtlichen Unterschiede zwischen dem Ausdrucks- und dem Sachcharakter der beiden Medien und zeigt seine Erfahrungen aus erster Hand mit bestimmten Ereignissen sowie seine Gefühle gegenüber den Dingen, die er ebenfalls gesehen hat.
„Ich kaufe sehr neugierig. Ich kaufe es, wenn mir das Albumcover gefällt, ich kaufe es, wenn mir der Name der Band gefällt, alles, was meine Fantasie anregt. “ Bruce Springsteen
Darüber hinaus war die kreative Synergie zwischen Fotografie und Musik immer ein wichtiges Element des Albumdesigns. Viele international bekannte Fotografen stehen hinter einigen der bekanntesten Alben der Musikgeschichte, Bilder, die im kollektiven Gedächtnis der Gesellschaft verbleiben.
Von vier Männern an einem Zebrastreifen bis zu einem in Flammen versunkenen buddhistischen Mönch, dem Reißverschluss einer blauen Röhrenjeans, einem brennenden Mann, der einem anderen Mann die Hand schüttelt - nur einige Beispiele für die visuelle Darstellung der schwarzen Vinyls, in denen haben bei Generation für Generation von Musikfans tiefe Eindrücke hinterlassen.
Obwohl sich das Albumformat seit dem Aufkommen der digitalisierten Musik und dem Wachstum des Online-Streamings geändert hat und möglicherweise etwas an Bedeutung als Kunstwerk verliert, werden sich Fotografie und Musik weiterhin gegenseitig abprallen, solange Musiker und Fotografen dies weiterhin zu schätzen wissen das Handwerk eines anderen. Viele der bekanntesten Albumcover waren heute keine Auftragswerke, sondern das Ergebnis der Musiker, die selbst die visuelle Geschichte durchforsteten.
Obwohl Musik und Fotografien existieren, um für sich selbst zu sprechen, beeinflussen sie sich zweifellos stark und haben sich auf unendliche Weise getroffen.
Während sich die Musik selbst ändert, stehen Fotografen unzählige Möglichkeiten offen, diese schwankende Landschaft sowohl auf expressive als auch auf journalistische Weise zu dokumentieren.
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